Rachmaninov est surtout connu pour son œuvre pianistique, dont l’écriture virtuose, exigeante et d’une ampleur presque épique évoque les vastes paysages de l’âme russe.
Pourtant, il a également composé trois opéras.
Ses opéras restent connus d’un public restreint et sont très peu représentés sur scène. L’Opernhaus Zürich nous offre cette saison une occasion rare de découvrir ces trois œuvres réunies dans un même spectacle, sous la direction scénique de Dmitri Tcherniakov.
Un plongeon dans le passé… il était une fois …
Aleko : quand Tchaïkovski voulait offrir une scène au jeune Rachmaninov…
Aleko, sur un livret de Vladimir Nemirovitch-Dantchenko inspiré du poème Les Tsiganes d’Alexandre Pouchkine, est le travail de fin d’études de Sergueï Rachmaninov au Conservatoire de Moscou. Après avoir achevé son cursus de piano en 1891, le jeune compositeur termine ses études de composition en 1892 et décroche la Grande Médaille d’or. Pas mal pour un étudiant qui n’a pas encore vingt ans !
Mais la plus belle récompense ne devait pas venir du jury.
Piotr Ilitch Tchaïkovski, déjà au sommet de sa gloire et particulièrement admiratif du talent de ce jeune homme, lui propose une idée aussi généreuse qu’enthousiasmante : réunir leurs deux opéras dans un même spectacle au Théâtre Bolchoï !
Le programme aurait eu fière allure : en première partie, Iolanta, le dernier opéra de Tchaïkovski, et, en seconde partie, Aleko, le tout premier ouvrage lyrique de Rachmaninov. Imaginez un peu : le maître et l’étudiant fraîchement diplômé réunis sur la même scène, l’un présentant son dernier-né, l’autre faisant ses premiers pas dans le monde scénique. Une véritable passation de témoin musicale !
Hélas, ce joli projet ne verra jamais le jour. La mort soudaine de Tchaïkovski, en novembre 1893, vient brutalement interrompre cette perspective et mettre fin à leurs projets communs.
On imagine aisément ce que cette proposition a pu représenter pour Rachmaninov : bien plus qu’une simple occasion de faire connaître son premier opéra, une véritable marque de confiance de la part d’un compositeur qu’il admirait profondément. À vingt ans à peine, recevoir une telle reconnaissance du grand Tchaïkovski, ce n’est tout de même pas rien ! Peut-être cette rencontre, et surtout cette marque de confiance, ont-elles conforté le jeune homme dans sa vocation et sa foi en son avenir musical.
Mais l’histoire ne s’arrête pas tout à fait là ! L’idée de réunir Iolanta et Aleko au cours d’une même soirée n’a pourtant pas disparu avec Tchaïkovski. Plusieurs décennies plus tard, des théâtres contemporains, notamment le Théâtre Mariinsky, ont finalement ressuscité ce diptyque imaginé par Tchaïkovski.
Comme quoi, certaines bonnes idées ont simplement besoin d’un peu plus de temps pour arriver sur scène !
Le Chevalier avare est un opéra de Sergueï Rachmaninov en un acte et trois tableaux, composé sur un livret tiré de la tragédie éponyme d’Alexandre Pouchkine. Rachmaninov en a lui-même adapté le texte !
Francesca da Rimini est un opéra en un acte et deux tableaux, avec prologue et épilogue, composé à la même époque en 1904-1905. Il nous plonge dans l’un des épisodes les plus célèbres de l’Enfer, au chant V de la Divine Comédie de Dante. Le livret est signé Modeste Tchaïkovski, frère du célèbre Piotr Ilitch Tchaïkovski.
Les deux ouvrages furent créés au Théâtre Bolchoï de Moscou, le 24 janvier 1906 (11 janvier selon le calendrier russe alors en vigueur), au cours d’une même soirée, sous la baguette du compositeur lui-même. Rachmaninov au pupitre : on n’est jamais mieux servi que par soi-même !
Le Chevalier avare : quand l’orchestre fait de l’ombre aux chanteurs…
L’œuvre s’inscrit dans la tradition de l’opéra récitatif et déclamatoire, dont Alexandre Dargomyjski avait ouvert la voie en Russie avec son Convive de pierre. Les comparaisons entre les deux partitions ne tardèrent pas, et elles ne furent pas toujours tendres avec Rachmaninov. On lui reprochait surtout son goût immodéré pour le symphonisme. En somme, on trouvait que son orchestre prenait trop ses aises !
Il faut dire que Rachmaninov lui confie ici un rôle absolument central : l’orchestre ne se contente pas d’accompagner les chanteurs, il raconte, commente, suggère et fait avancer le drame. Parfois même, il semble vouloir tenir le premier rôle !
Chaliapine, à qui le rôle du Baron était pourtant destiné, n’était guère convaincu. Il aurait notamment émis des réserves sur la manière dont Rachmaninov avait traité la déclamation vocale.
Et là, il faut comprendre Chaliapine… En Russie, on ne plaisante pas avec Alexandre Sergueïevitch Pouchkine ! Considéré comme le père de la littérature russe moderne et le fondateur de sa langue littéraire, il est une véritable institution nationale. Toucher à Pouchkine, c’est presque toucher au patrimoine familial !
N’oublions pas, au passage, qu’Eugène Onéguine et La Dame de pique de Tchaïkovski sont également nés de ses œuvres.
Bref, malgré une partition écrite pour lui, Chaliapine déclina le rôle. Il accepta toutefois d’en interpréter le monologue du Baron en concert en 1907. Mais la critique ne désarma pas. Tout en saluant le brillant symphonisme de la partition, certains commentateurs estimaient que même le talent tragique de Chaliapine ne suffisait pas à donner au rôle toute sa puissance dramatique.
Le verdict était sévère : chez Rachmaninov, l’orchestre avait décidément tendance à voler la vedette aux chanteurs !
On connaît la sensibilité de Rachmaninov aux jugements de la critique : l’échec de sa Première Symphonie l’avait plongé dans une profonde crise. Cette expérience douloureuse aide peut-être à comprendre pourquoi ces deux opéras ne trouvèrent pas durablement leur place au répertoire. Et cela malgré une circonstance plutôt favorable : entre 1904 et 1906, Rachmaninov dirigeait lui-même au Théâtre Bolchoï de Moscou. Même à domicile, le succès ne fut donc pas au rendez-vous !
Francesca da Rimini : l’orchestre dans les profondeurs de l’Enfer
Avec Francesca da Rimini, nous retrouvons cette même prédilection pour l’écriture symphonique, mais dans un univers tout autre.
Le deuxième tableau s’apparente presque à un opéra de chambre, à mi-chemin entre le poème symphonique et la cantate. Ici, c’est l’orchestre qui porte l’essentiel de la narration dramatique.
Pas de succession d’airs, de duos et de numéros bien séparés : tout se déroule d’un seul mouvement, dans une continuité musicale presque hypnotique.
Les scènes infernales qui encadrent le drame principal sont particulièrement fascinantes. Les interventions des personnages se fondent dans la vaste trame orchestrale, tandis que le chœur, qui chante essentiellement sans paroles, devient une sorte de matière sonore, une couleur, un souffle venu des profondeurs de l’Enfer.
Finalement, dans ces deux ouvrages, Rachmaninov semble nous dire que l’orchestre a parfois bien plus à raconter que les personnages eux-mêmes. Encore faut-il que les chanteurs acceptent de partager la scène avec lui !
Dmitri Tcherniakov réunit tout le patrimoine lyrique de Rachmaninov en une seule soirée
Tcherniakov a eu une idée brillante et accompli un véritable exploit : réunir les trois opéras de Sergueï Rachmaninov au sein d’un seul spectacle, respectant la chronologie de leur création, grâce à une conception scénique unifiée.
Les trois œuvres sont structurées en deux actes avec un entracte au milieu du deuxième opéra, contribuant ainsi à créer une impression de continuité et d’unité presque organique entre les trois partitions.
L’action se déroule dans une maison de retraite. Au centre du récit apparaît un vieillard malheureux, prisonnier de ses propres passions : la jalousie, la cupidité, l’obsession amoureuse et la soif de richesse. Il passe ainsi d’un personnage à l’autre, d’une époque à l’autre, au fil des trois opéras. Les histoires changent, les époques se succèdent, mais la nature humaine demeure. Prisonnier de ses désirs, l’homme reste incapable de s’en affranchir.
La scénographie repose sur une sorte de tourniquet architectural, composé d’une multitude de pièces et de couloirs qui se déplacent presque continuellement au rythme de la musique. Ce dispositif crée une illusion de grandeur et d’ampleur spatiale, permet de faire évoluer les histoires et renouvelle sans cesse les tableaux scéniques.
La même maison de retraite se métamorphose pourtant au fil des trois opéras : le campement de gitans dans Aleko, le château dans Le Chevalier avare, la demeure florentine dans Francesca da Rimini. Un même espace devient ainsi le théâtre de trois univers, de trois époques et, finalement, d’une seule exploration des passions humaines.
Et si la critique avait aussi le droit de changer d’opinion ?
Cette production est non seulement pertinente sur le plan dramaturgique, mais elle permet également de remettre en question certains préjugés de la critique musicale à l’égard de Rachmaninov.
On a longtemps reproché à Rachmaninov de privilégier la dimension symphonique et orchestrale au détriment de la partie vocale. Le souvenir de la réception réservée au monologue du Baron chanté par Fédor Chaliapine en 1907 en témoigne.
Permettez-nous de dire que nous avons vécu à Zurich une expérience tout autre !
Vladislav Sulimsky a véritablement habité ses personnages, bien au-delà de son exceptionnelle performance vocale. Son interprétation des trois figures centrales — Aleko, le Baron et Lanciotto Malatesta — fut bouleversante et laissera durablement son empreinte dans la mémoire des spectateurs.
Certes, l’orchestre, déployant toute la puissance presque sismique propre à l’univers rachmaninovien, était pleinement à son service. Mais ce sont avant tout la présence scénique, le jeu et la profondeur de l’incarnation qui se sont imposés.
Et c’est précisément ainsi que l’opéra doit vivre : lorsque la musique et la voix se mettent au service du théâtre.
La transparence des couleurs vocales, presque aquarellées, et la légèreté juvénile de la voix d’Elena Stikhina dessinent, dans les trois opéras, des personnages féminins d’une fragilité et d’une force tout aussi fascinantes. Sa voix, irrésistiblement séduisante, fait vite oublier son apparence de pensionnaire d’EHPAD, imposée par un costume qui ne la met guère en valeur. Sa complicité musicale avec Vladislav Sulimsky est saisissante.
Les autres solistes méritent également d’être salués, notamment le ténor Bekhzod Davronov, qui incarne le Jeune Tzigane dans Aleko et Paolo dans Francesca da Rimini, et séduit par la finesse du phrasé et l’éclat de la projection, ainsi que la basse Ain Anger, dont la présence vocale et la profondeur du timbre confèrent à la distribution une remarquable densité.
Enfin, nous tenons à saluer la remarquable maîtrise de la langue russe par les interprètes. Pas un seul mot ne nous échappe et, pour qui connaît la langue, le surtitrage devient presque superflu : le sens passe directement par la diction et l’expression. Celles-ci étaient remarquables, malgré la complexité de l’écriture vocale. Cette qualité d’articulation et d’expression caractérisait l’ensemble de la distribution.
Autre trouvaille particulièrement heureuse : placer le chœur au dernier balcon de la salle, en répartissant les chanteurs à gauche et les chanteuses à droite. Cette disposition donne une résonance nouvelle aux parties chorales. Les voix, ainsi suspendues pratiquement sous la coupole, font contrepoids à la puissance orchestrale. L’équilibre est trouvé.
La direction de Gianandrea Noseda restitue pleinement l’univers de Rachmaninov, tout en allégeant les grands élans romantiques, parfois sombres. Elle laisse ainsi entrevoir une écriture qui annonce déjà le XXᵉ siècle, avec ses accents prémodernistes.
Dmitri Tcherniakov, l’art de réunir les œuvres
Ce n’est pas la première fois que Dmitri Tcherniakov entreprend de réunir plusieurs œuvres distinctes au sein d’un même spectacle.
L’un des événements théâtraux les plus retentissants, les plus commentés et les plus radicaux de ces dernières années fut sa production d’Iolanta et du Casse-Noisette à l’Opéra de Paris, en 2016. Quand Dmitri Tcherniakov ne s’est pas contenté de faire revivre le format historique de 1892, qui associait, au cours d’une même soirée, un opéra et un ballet.
Il a également repensé leur articulation dramaturgique, en proposant une lecture scénique qui dépassait la simple juxtaposition des deux œuvres.
À Zurich, Dmitri Tcherniakov inscrit les trois partitions de Sergueï Rachmaninov dans une même ligne dramaturgique. Toute la soirée s’articule autour des thèmes du pouvoir, de l’emprise, des passions destructrices et de la culpabilité.
Événement de la saison
Nous sommes convaincus que cette audacieuse production de l’Opéra de Zurich fera date et s’imposera comme une référence incontournable pour la redécouverte et l’interprétation de l’ensemble de l’œuvre lyrique de Sergueï Rachmaninov.
Irina MADEC
Distribution
Direction musicale: Gianandrea Noseda
Mise en scène et scénographie: Dmitri Tcherniakov
Costumes: Elena Zaytseva
Lumières: Gleb Filshtinsky
Vidéo: Tieni Burkhalter
Dramaturgie: Jana Beckmann et Tatiana Werestchagina
Préparation du chœur: Klaas-Jan de Groot
Aleko
Aleko: Vladislav Sulimsky
Le Jeune Tzigane: Bekhzod Davronov
Le Vieux Tzigane: Ain Anger
Zemfira: Elena Stikhina
La Vieille Tzigane: Dominika Stefańsk
Le Chevalier avare
Le Baron: Vladislav Sulimsky
Albert: Dmytro Popov
Le Duc: Pavel Yankovsky
Le Prêteur: Alexey Dolgov
Ivan: Stanislav Vorobyov
Francesca da Rimini
Francesca: Elena Stikhina
Paolo: Bekhzod Davronov
Lanciotto Malatesta: Vladislav Sulimsky
Dante: Alexey Dolgov
Virgile: Ain Anger
Chœur de l’Opéra de Zurich
Orchestre de l’Opéra de Zurich
Association des figurants de l’Opéra de Zurich
